La Trompeta de Jazz en la Época del Swing y las Grandes Bandas – Parte 7

Clark Terry – 1920

“Es uno de los grandes innovadores de la música contemporánea y merecidamente celebrado por su gran virtuosismo técnico, festivo lirismo e impecable buen gusto. Combinando éstos con los dones de un gran dramaturgo, Clark es un maestro como contador de historias cuyos fascinantes “cuentos” musicales dejan a la audiencia deleitada y siempre esperando más"

Chuck Berg

La carrera de Clark Terry en el jazz se expande por más de sesenta años. Trompetista, fliscornista , educador y Jazz Master de la NEA, de clase mundial.

Poseedor del sonido más alegre del jazz, Clark Terry toca siempre música que es exuberante, rítmica y divertida. Solista brillante de sonido distintivo, Clark Terry ganó fama por su ejecución vocal en Mumbles (que empezó como una sátira a los poco entendibles antiguos cantantes de blues). Es también un entusiasta educador. Clark Terry ganó temprana experiencia tocando trompeta en la viable escena de St. Louis a comienzos de los cuarentas (donde fuera una inspiración para Miles Davis) y, tras actuar en la banda de la marina durante la Segunda Guerra Mundial, obtuvo gran reputación tocando con la big band de Charlie Barnet en 1947-48; con la orquesta y pequeños grupos de Count Basie de 1948 a 1951, y particularmente con Duke Ellington de 1951 a 1959. Terry, versátil solista swing-bopístico, comenzó especializándose en el fliscornio a mediados de los cincuenta, teniendo destacadas interpretaciones con Ellington, como en Perdido (del álbum Ellington Uptown CK 40836 Columbia). Terry comenzó conduciendo sus propias citas de grabación por esos tiempos. Visitó Europa con el espectáculo poco exitoso Free & Easy del compositor Harold Arlen de 1959 a 1960 como parte de la orquesta de Quincy Jones, juntándose luego a la plantilla de la NBC donde fue miembro regular de la Tonight Show Orchestra. Terry grabó regularmente en los sesentas, incluyendo una emisión clásica con el trío de Oscar Peterson y diversas citas con el quinteto que codirigió con el trombonista de válvulas Bob Brookmeyer. A lo largo de los setentas hasta los noventas, Clark Terry se ha mantenido como una fuerza mayor, grabando y actuando en una amplia variedad de escenarios incluyendo a la cabeza de una big band de corta vida a mediados de los setentas, también con un grupo de all stars para el sello Pablo, y como artista huésped que puede esperarse provea felicidad en cada nota que toque.

Ha grabado también con orquestas sinfónicas de Londres y Holanda y al menos con treinta ensambles de escuelas secundarias y universidades, además en dúos, tríos, cuartetos, quintetos, sextetos, octetos y dos grandes bandas. Su carrera como líder y como músico acompañante comprende más de trescientas grabaciones que demuestran que es una luminaria del jazz.

Clark es además, autor de más de doscientos temas de jazz y tres libros de contenido musical/jazzístico.

Terry ha actuado ante siete presidentes norteamericanos y fue embajador del jazz para las giras del Departamento de Estado por el Oriente Medio y África. Más de cincuenta festivales en los siete continentes siempre lo han destacado. Recibió dos certificados Grammy y tres nominaciones, trece doctorados honorarios, llaves de ciudades, premios por logros de toda la vida y recompensas de salones de la fama. Fue nombrado caballero en Alemania y es poseedor de la Orden Francesa de las Artes y Letras. La estrella de Clark en el Camino de la Fama y su figura tamaño natural en cera en el Black World History Museum, pueden ser visitadas en su tierra natal, St. Louis, Missouri.

Desde el 2000, Clark Terry es anfitrión de los Festivales de Jazz Clark Terry, por mar y tierra y en su propio sitio base.

Alentados en sus inicios de sus carreras por el Dr. Billy Taylor, Clark y Milt Hilton compraron instrumentos para dar instrucción a Jóvenes prometedores que plantaron la semilla de lo que vino a ser el Jazz Mobile en Harlem. Esta aventura llevaba el gran amor de Clark -comprometer a la juventud en la perpetuación del jazz. Entre actuaciones globales, Clark continúa compartiendo entusiastamente su experiencia jazzística, alentando estudiantes.

Carlos Alberto 28/08/2008

La Trompeta de Jazz en la Época del Swing y las Grandes Bandas – Parte 5

Bunny Berigan – 1908-1942

El solo de trompeta de Bunny Berigan en King Porter Stomp, ayudó a lanzar la Era del Swing.

Bunny Berigan fue uno de los tres trompetistas solista cumbre durante la Era de las Grandes Bandas y uno de los pocos que tuvieron un estilo original que no fuera en el molde de Louis Armstrong. Los otros dos fueron el propio Armstrong y Roy Eldridge.

Thomas Cavicchi en un artículo titulado El Magnetismo de Bunny Berigan, escrito aproximadamente una década dice:

“Muchas personas en los noventas miran en retrospectiva al temprano jazz encontrando tesoros únicos. El atractivo comprende tres elementos principales: música bien escrita, letras comúnmente no ofensivas, y especialmente verdadero profesionalismo de los ejecutantes. (En ese tiempo una grabación era una verdadera ejecución, no una mezcla pegada.)

Como alternativa, consideremos lo que hace a Berigan ser bien gustado por su audiencia a más de 60 años de su carrera. Primero, por supuesto, está su profesionalismo como trompetista. Muchos trompetistas con mayores talentos técnicos que el suyo han llegado desde entonces, pero sería difícil encontrar a alguien que pudiera comunicar más en un periodo menor de tiempo que Berigan. Muchos escritores han mencionado cómo sus ejecuciones de trompeta tan directa y sinceramente vienen desde sus sentimientos. Está libre de pretensiones mientras es simultáneamente espectacular. Otros han notado cómo su propensión a cometer errores musicales (tanto como ´personales) –y su muerte a la edad de 33- nos hace buscar que alcance sus notas correctamente, mientras oímos.

La visión de ‘buen muchacho’ que era demasiado bueno para sobrevivir en el mundo de la música parece haber sido compartida universalmente por sus contemporáneos.

Estos aspectos de personalidad contribuyen a la favorable visión de Berigan, pero uno siempre regresa a su ‘honestidad musical’ y al tono puro de su trompeta tanto en los registros altos como en los bajos, y cómo sólo en unos cuantos compases ejecutados podía salvar de su monotonía y banalidad un tema del Tin Pan Alley, de otra manera sin valor. Otras características son la originalidad y usualmente la seguridad de sus solos y algunas veces las interesantes terminaciones a sus solo/frases Cuando escuchamos una grabación de Berigan, frecuentemente nos comprometemos esforzadamente con unos cuantos minutos de tediosa y/o monótona entrega de un tema hasta que comienza el efímero solo de Berigan. Nos imaginamos a él alzando su trompeta en preparación, tanto con exuberancia/anticipación, y temor que pudiera exceder sus límites y fallar. Y cuando logra el éxito, en vano deseamos poderlo felicitar –e imaginamos cuan mucho mejor hubiese sonado si fuéramos capaces de oír la ejecución en vivo, en lugar de a través de sesenta años de viejas grabaciones. Cuando falla, estamos recordando su trágica adicción alcohólica que se convirtió en su final, y deseamos que los programas de tratamiento moderno hubiesen estado disponibles entonces. Aplaudimos su coraje para sostener arriesgados solos que estaban en los límites de su capacidad.

Finalmente, hay algo muy emocionante acerca de un solista cuyos solos son maravillosos pero mantenidos cortos. Uno da más valor a éstos que a aquellos típicos solistas modernos que tocan dale que dale por media hora sin ningún efecto. Los vigorosos, vívidos, pero cortos solos de Berigan son el espejo de su vida.”

La carrera de Bunny Berigan fue evocativamente paralela a aquella de Bix Beiderbecke. Ambos con estilos individuales; comprometidos en tocar en grandes bandas; perdiendo la batalla con el alcoholismo seguida de desintegración y muerte, con moldes similares.

Los primeros grandes éxitos de grabación de Bunny Berigan fueron sus clásicos solos con la orquesta de Benny Gooodman en 1935, King Porter Stomp y Sometimes I’m Happy, El mayor éxito de Bunny Berigan fue una balada grabada bajo su propio nombre, I Can’t Get Started (dos versiones de grabación en estudios). Su solo en la grabación de Tommy Dorsey, Marie, es también un clásico.

Bunny Berigan ganó las encuestas de Metronome en 1937 y 1939 como mejor trompetista.

El obituario publicado en la época sobre la muerte de Bunny, decía entre otras cosas:

Bunny Berigan muere tras larga enfermedad

Había estado conduciendo la banda frecuentemente, a despecho de su mala salud.

Nueva York – Bunny Berigan, gran trompetista de jazz y miembro en dos de las bandas All-Star de Down Beat, falleció aquí la mañana del 2 de junio en el Hospital Policlínico.

La muerte de Berigan fue debido a complicaciones hemorrágicas internas como resultado de una cirrosis hepática. Había estado mal por algún tiempo pero continuó conduciendo su banda hasta unas pocas semanas antes.

Recientemente se había recobrado de una secuela de neumonía en un hospital de Pittsburgh.

Audición recomendada: Una de las mejores versiones de Summertime de toda época.

Bunny Berigan, tp.; Artie Shaw, cl.; Joe Bushkin, pn.; Dick McDonugh, gt.; Peter Peterson, cb.; Cozy Cole, bat.; Billie Holiday, voc. Nueva York, julio 10, 1936. Vocalion 3288. (mx 19537-1)

Carlos Alberto 15/08/2008

La Trompeta de Jazz en la Época del Swing y las Grandes Bandas – Parte 4

Estableció su propia posición con el regreso de uno de los sonidos instrumentales más hermosos en el jazz, un don prodigioso para la melodía fraseada, y un agudo sentido armónico que revelaba su conciencia de los desarrollos más modernistas en el jazz. Louis Armstrong permaneció como su norma y su maestro declarado, pero sus ejecuciones reflejaban también la influencia de músicos como Bix Beiderbecke y Bobby Hackett. Su voz musical, sin embargo, siempre fue muy suya.

Kenny Mathieson

Reuben “Ruby” Braff (1927-2003)

Fue alguien retrotraído al jazz de la época del Swing y de las Grandes bandas, un ejecutante maravillosamente elocuente, siempre melifluo, excepto que, en lo que le concierne, su música suena fresca a despecho de la fuerte influencia de Armstrong, Berigan, Hackett y James, no esclavizándose en copiar a ninguno de sus grandes pares del pasado. Músico ecléctico, capaz de expresarse a un alto nivel tanto en el estilo tradicional como en el mainstream, causó gran sensación cuando apareció en el ambiente jazzístico, no faltando quien lo calificara como el “Armstrong de los tiempos modernos”.

Ruby Braff atravesó grandes períodos de su carrera imposibilitado de hallar trabajo por cuanto su música era considerada pasada de moda, pero su suerte aumentó en los setentas. .Braff, fue un ejecutante muy expresivo que le gustaba construir solos partiendo de una nota baja para ir in crescendo. El sonido de Braff es instantáneamente reconocible aún para oídos poco entrenados.

Braff trabajó mayormente en los alrededores de Boston a finales de los cuarentas, reclutado por la banda conducida por el veterano clarinetista Edmond Hall en el Savoy Café en 1949. Hizo equipo con Pee Wee Russell, cuando el clarinetista volvía de retorno al jazz, grabando juntos para Savoy, y tras su traslado a Nueva York en 1953, se adaptó fácilmente dentro de una variedad de escenarios tanto dixieland como mainstream. Braff grabó como líder para Vanguard en compañía de Vic Dickenson, Buck Clayton y Urbie Green. Fue una de las estrellas de las recordadas jam sessions de Buck Clayton para Columbia y a mediados de los cincuenta trabajó para Benny Goodman. Pero, a despecho de las buenas críticas y ocasionales grabaciones, el trabajo era esporádico para Braff. En los sesenta fue capaz de obtener ocupaciones siendo parte de los All Stars de Newport, y en festivales de jazz del productor y pianista George Wein. Wein permaneció como su leal mentor, actuando con él regularmente tanto en circuitos de festivales como en giras internacionales. De 1971 a 1973, Braff trabajó con el cantante Tony Bennett, pero no fue hasta que formara un cuarteto con el guitarrista George Barnes en 1973, que se volvió más asentado. La relación se detuvo en 1975, cuando Braff, característicamente, terminó en una disputa con su colaborador.

El molde de distanciarse de aquellos que estaban a su alrededor fue repetido en diferentes ocasiones. Braff podría haber hecho alguna de la más hermosa música en el jazz, pero su propio carácter era precisamente lo contrario. Fue notable por su conducta insolente y ofensiva para con los demás músicos, promotores y aún para sus simpatizantes, una tendencia que le hacía daño a su propia salud delicada durante años, padeciendo de enfisema, glaucoma y problemas cardiacos.

Tras eso Braff fue oído en diferentes escenarios de pequeños grupos, que incluían duetos con Dick Hyman y Ellis Larkins -con este último se había encontrado previamente en los cincuentas-, en quintetos, con una nueva generación de jóvenes músicos mainstream de los setentas entre los que se contaba el saxofonista Scott Hamilton, y el guitarrista Howard Alden, de quienes a su vez se convirtió en mentor.

En los ochentas y noventas realizó una serie de grabaciones para las etiquetas mayores del jazz mainstream como Concord Jazz y Arbor, formando dúos grandemente recordados con pianistas como Mel Powell (quien después se convertiría en pianista clásico de renombre), Ralph Sutton. Dick Hyman, Ellis Larkins y Rogert Kellaway.

Ruby Braff fue el artista principal en el primer Naim Jazz Festival en Escocia del norte en 1990, y su aparición en el 2002 en ese evento sería la última actuación de su vida. Braff canceló un subsiguiente programa de concierto en el Brecon Jazz Festival de Gales, regresando a casa. Nunca se recuperó lo suficiente para actuar nuevamente en público.

Braff permaneció hasta su muerte como uno de los grandes cornetistas del jazz mainstream.

En marzo 25 del pte. año se realizó un homenaje a Ruby Braff, mediante un concierto titulado Adoración de la Melodía, auspiciado por el Proyecto de Jazz Columbia/Harlem del Centro para Estudios de Jazz de la universidad de Columbia.

Actuaron esa noche (8:00 pm.) cuatro extraordinarios músicos Warren Vaché (trompeta), Howard Alden (guitarra), Bucky Pizzarelli (guitarra) y Nicki Parrott (contrabajo), unidos en homenaje al gran trompetista de jazz. Fue una noche de exultación de la melodía donde destacaron cuatro músicos con una profunda apreciación de los particulares dones de Braff.

Grabaciones de Louis Armstrong Recientemente Descubiertas

Corona, N.Y., julio 31, 2008 - Grabaciones nunca antes emitidas del reconocido Louis Armstrong que incluyen legendarias emisiones radiales y extractos de cintas caseras grabadas, se encuentran ahora disponibles en un juego de dos CDs. de la Jazz Heritage Society.

En el disco uno se destaca las mejores actuaciones de algunas series históricas de emisiones radiales de abril a mayo de 1937. Louis Armstrong fue el invitado de la Hora de la Levadura Fleishmann del cantante Rudy Vallee, uno de los espectáculos radiales más populares de la época. Cabe destacar que Armstrong fue el primer afro-americano en ser invitado a una red nacional de show de variedades – fue uno de sus muchos logros como “primero”.

En 1987, cuatro años después de la muerte de su esposa Lucille, David Gold, ejecutor testamentario de Armstrong y presidente de la Louis Armstrong Educational Foundation, eligió al Queens College como depositario de la vasta colección y recuerdos de sucesos memorables de Louis y Lucille Armstrong. Entre los archivos descubiertos estaban 18 frágiles discos de acetato de las legendarias emisiones radiales de Levadura Fleishmann de 1937. Las grabaciones han sido ahora meticulosamente remasterizadas por Doug Pomeroy, un notable ingeniero de sonidos que se especializa en grabaciones históricas de jazz.

El disco dos provee revelaciones de momentos privados de Louis Armstrong.

Carlos Alberto 07/08/2008