Del Swing al Bebop en Saxofón- Parte I

Antes del advenimiento de las llamadas Grandes Bandas, término que no que no debe equipararse con el de Swing, el uso del saxofón, especialmente el tenor no estaba muy difundido. El mayor y primer saxofonista tenor fue Coleman Hawkins, ocupando una silla en la orquesta de Fletcher Henderson, allá a comienzos de los veintes. Algo después hizo su aparición Frankie Trumbauer, -aunque éste se expresaba con un tipo de instrumento ahora descontinuado como era el saxofón afinado en do, más conocido como C (do) Melody. Paralelamente, se iniciaba por esos tiempos, otro de los fundadores de la escuela “Chicago”, Bud Freeman. Pero, el verdadero saxofonista que revolucionó el estilo y la tendencia en el saxofón a comienzos de los treintas, fue Lester Young. Lester Young, al igual que Louis Armstrong en la trompeta, influenció, en una u otra forma, a casi todos los demás saxofonistas que se desarrollaron en décadas venideras. (Lester dijo al salir de la cárcel, tras una inmerecida condena de un año, a mediados de los cuarentas, que había encontrado que, “ahora todos tocan igual que yo”) Fue el primer modernista y uno de sus grandes seguidores fue nada menos que Stan Getz, otro de los grandes instrumentistas del saxofón tenor. Y otro que copió “literalmente” su estilo durante toda su carrera fue Paul Quinichette, un saxofonista menor a quien apodaron por esta similitud vice-Prez (Prez era Young).

Coleman Hawkins exploró todos los registros en el saxofón y además de poseer una gran técnica, su sonoridad era espléndida y poderosa. Hawkins usaba una lengüeta de metal para su instrumento y, en sus inicios, usó el saxofón bajo en una sesión en 1921 con los Jazz Hounds de Mamie Smith, donde con su agudeza rítmica ayudó a la banda a expresarse mejor que los grupos que usaban tuba o bajo de cuerdas. Pero su principal instrumento fue el tenor y empezó a desarrollarse como solista tan pronto como llegó a la orquesta de Fletcher Henderson en 1923. Allí tocó junto a músicos como Louis Armstrong. Jimmy Harrison, Tommy Ladnier y Buster Bailey y, como él mismo dijo en una entrevista, en esa compañía, “solo tenía que tocar algo o irme a casa”. Siempre hay alguien que influencia a otro en alguna forma, tanto que no existe la creación pura. Esto es muy común en el arte. Se dice que Lester fue influenciado por Bud Freeman, pero esto debe ser muy relativo, ya que las diferencias son abismales. Young afirmó en una alguna entrevista que se le hiciera, que escuchaba atentamente a Frankie Trumbauer y a Jimmy Dorsey, y que cuando tocó por poco tiempo en la orquesta de Fletcher Henderson en reemplazo de Coleman Hawkins, llevó consigo los discos de éstos. Jimmy Dorsey era un gran clarinetista y saxonista alto, el mejor en esos tiempos. El clarinete es frecuentemente usado por los músicos de lengüeta indistintamente a su instrumento principal. Frankie Trumbauer era también un gran saxofonista, un individuo más técnico, pero que se sepa, no dejó una escuela de seguidores. Por otro lado, Lester Young, era la cara opuesta de la medalla con relación a Hawkins, -los dos estilistas predominantes. El sonido de Lester Young era suave y musical, muy lírico, y técnicamente, trasponía los compases al mismo tiempo que tejía sus maravillosas improvisaciones esplendorosamente. Pensamos particularmente que si Young tuvo alguna influencia, diríamos mejor inspiración más que influencia, fue de Louis Armstrong. Hay varios temas de ambos que analizados técnicamente, tienen un desarrollo similar que confirman esta aseveración..

Estos músicos que forjaron el desarrollo del saxofón, merecen ser difundidos y esperamos no olvidarnos de alguno en el camino.

Frankie Trumbauer ( 1901 - 1956) El prominente saxofonista blanco de los veintes, Frankie Trumbauer, fue una influencia mayor entre los ejecutantes de jazz de todos los “colores”. En su cima, su posición suprema en el alto (C Melody) era comparable a la clase de dominio que más tarde ejerció Charlie Parker. Frecuentemente llamado Tram por sus contemporáneos, estuvo tocando con la Chicago's Benson Orchestra cuando fue deslumbrado por Bix Beiderbecke, y rápidamente comprometió al legendario cornetista a juntarse a la orquesta de Jean Goldkette. Pronto Tram ascendió a la posición de director musical de Goldkette, ganando notoriedad por su impecable técnica y sus solos en tono ligero, Trumbauer “cortó” con Beiderbecke algunas de las grabaciones clásicas de la Era como Singin’ the Blues (Till My Daddy Comes Home), entre ellas y, para 1927, los dos estaban reunidos en la orquesta de Paul Whiteman. Trumbauer permaneció con Whiteman hasta 1932, regresando en 1933 para otro compromiso de cuatro años. Cuando se retiró en 1936, tomó el mando de los Three T’s, actuando con los hermanos Teagarden. En 1938 continuó co-dirigiendo una banda con Manny Klein. Con el comienzo de la Segunda Guerra Mundial, Trumbauer fue asignado a la Civil Aeronautics Authority, continuando siempre en persecución de la música en sus horas libres, tocando con Ruth Case y cortando números en citas de estudio en la ciudad de Nueva York durante la última mitad de los cincuentas. Sin embargo, con la llegada de la era del jazz moderno de los cincuentas, Tram salió de escena.

Otros temas representativos de Trumbauer son China Boy y I'm Coming Virginia.

Bud Freeman (1906 - 1991) Cuando Bud Freeman maduró como saxofonista, fue la única tendencia alternativa poderosa al saxofón tenor de tono rígido de Coleman Hawkins, y fue también una inspiración para Lester Young. Freeman uno de los tenoristas cumbres de los treintas, fue uno de los pocos saxofonistas, junto con el ligeramente posterior Eddie Miller, en ser aceptado en el mundo Dixieland, y sus solos extrañamente finos, pero consistentemente rítmicos, fueron una ventaja en incontables sesiones jazzeras.

Freeman, emocionado como lo fueron los demás miembros del Austin High School Gang, en Chicago (al que pertenecía), por la música de los New Orleans Rhythm Kings, tomó el saxo afinado en do en 1923, pasando al tenor dos años después. Le tomó tiempo desarrollar su estilo que era bastante primitivo en 1927 cuando hizo su debut en grabaciones con los McKenzie-Condons Chicagoens, que dieran inicio al estilo llamado “Chicago”. Freeman se trasladó posteriormente a Nueva York a fines de ese año y trabajó con los Five Pennies de Red Nichols, con Roger Wolfe Kahn, Ben Pollack, Joe Venuti, Gene Kardos y otros. Fue preponderante en la memorable grabación de Eddie Condon de 1933, The Eel. Tras compromisos con Joe Haymes y Ray Noble, Freeman fue una estrella con la orquesta, y con los Clambake Seven, de Tommy Dorsey de 1936 a 1938. Tuvo un corto e infeliz paso por la orquesta de Benny Goodman en 1938; condujo su legendaria orquesta, de corta duración, la Summa cum Laude de 1939 a 1940, que verdaderamente fue un octeto; pasó dos años en la milicia y luego, desde 1945 en adelante, alternó entre ser líder de banda y trabajar con los relajados grupos de jazz de Chicago de Eddie Condon. Freeman viajó por todo el mundo, llegando a Sudamérica, incluido Perú; realizó decenas de excelentes grabaciones y permaneció fijo a su mismo estilo básico que había desarrollado a mediados de los treinta (intacto a excepción de un breve periodo pasado estudiando con el modernista Lennie Tristano) Fue fundador de la World's Greatest Jazz Band, que tuvo presencia de 1968 a 1971; vivió en Londres a finales de los setentas y terminó de regreso a donde comenzó, Chicago. Estuvo activo hasta octogenario.

De aspecto distinguido, fue un refinado y culto personaje, con aires de lord inglés a quien se le guardaba mucho respeto. Un fuerte muestreo de sus grabaciones está comúnmente disponible en CD.

Jimmy Dorsey (1904 – 1957) El mayor de los hermanos Dorsey fue un niño prodigio que comenzó su carrera musical a la edad siete años tocando la trompeta slide y la corneta en la banda de bronces de su padre, en las fiestas locales. Ya tan temprano como 1915 pasó a los instrumentos de lengüeta, eligiendo el clarinete y el saxofón alto, instrumento este último en el que se distinguiría. El padre era un hombre de clase obrera, profesor de música y director de marching bands, que deseó una vida mejor para sus niños y les hizo estudiar música diligentemente. A mediados de los veintes, Jimmy tocaba ya con la banda de Jean Goldkette junto a Bix Beiderbecke, Joe Venuti, Eddie Lang y Frankie Trumbauer.

Los hermanos Dorsey, Jimmy, y Tommy que tocaba el trombón y ocasionalmente la trompeta, formaron los Novelty Six, y como los Dorsey's Wild Canaries tocaron un extenso contrató en el parque de diversiones de Baltimore e hicieron su debut en radio, convirtiéndose en el proceso en una de las primeras bandas de jazz en salir al aire. Jimmy partió entonces para juntarse a los Scranton’s Sirens. Aproximadamente a fines de 1924, se trasladó a Nueva York y se unió a los California Ramblers, pasando a la orquesta de Jean Goldkette en 1925. Durante los veintes, la orquesta Goldkette quebró, y Jimmy, junto con Bix y Tram, se unieron al grupo de Paul Whiteman. En 1926, Jimmy dejó el grupo de Whiteman para actuar libremente, tocando con Red Nichols. En 1928 Jimmy, y su hermano menor Tommy, formaron la orquesta Dorsey’s Brothers, que empezó grabando ese mismo año, pero que no se transformó en una verdadera orquesta hasta 1934 cuando incluía al baterista Ray McKinley, al trombonista Glenn Miller y al cantante Bob Crosby, -hermano de Bing- y empezaron a grabar para la recientemente formada Decca. Eventualmente los hermanos se establecieron en Nueva York, donde trabajaron como músicos de sesiones, apareciendo en grabaciones, radio y en las bandas de foso de los musicales de Broadway.

Empezando en 1927, los hermanos Dorsey organizaron ensambles para estudios de grabación, doblando a la orquesta para grabaciónes en discos Okeh, con temas en los primeros lugares de las encuestas, tan diferentes como Coquette (1928) Let's Do It -Let's Fall in Love- (1929) What a Diff'rence a Day Made (1934) y en el invierno de 1935 con I Believe in Miracles, Tiny Little Fingerprints, Night Wind y Lullaby of Broadway. Contribuyó al auge de la orquesta el manager Francis “Cork” O’Keefe, uno de los primeros promotores de grandes bandas de los treinta. Por ese tiempo los hermanos Dorsey pedían lo justo para salir del montón en el creciente campo de la música swing y fueron colocados justo para lograr eso cuando O’Keefe los programó en el Glen Island Casino, un lugar de reuniones de las grandes bandas cumbres en la Costa Este, con todo y enlace radial desde la CBS.

Había habido antes querellas entre los dos hermanos – con daño de instrumentos tras el escenario- pero la noche del 30 de mayo de 1935, en la festividad conocida como Decoration Day (hoy Memorial Day), mientras la banda intentaba empezar el tema I'll Never Say 'Never Again' Again, entraron en una disputa acerca del tempo en que debía tocarse y Tommy abandonó la banda en medio de la ejecución, separándose de su hermano y de la orquesta. Jimmy fue dejado con la banda tal como ésta estaba y varias grabaciones quedaron en trámite. Irónicamente el tema Chasing Shadows entró en el primer lugar de las cartas en junio, mientras que Every Little Movement, estuvo entre las diez primeras en julio. A despecho de la partida de su hermano, Jimmy continuó grabando como la orquesta Dorsey’s Brothers y registró dos temas entre los diez primeros en el otoño de 1935 con You Are My Lucky Star y I've Got a Feelin' You're Foolin'

Para fines de ese año, sin embargo, al haber lanzado Tommy su propia banda, Jimmy cambió la denominación del grupo a Jimmy Dorsey & his Orchestra, registrando en diciembre su primer tema en las cartas bajo el nombre de You let me down. Ese mismo mes Dorsey firmó para proveer acompañamiento musical al programa de las series radiales Kraft Music Hall, que conducía Bing Crosby. Por las querellas, los hermanos Dorsey habían perdido momentos cruciales en sus carreras. Mientras ellos se excluían, Benny Goodman emergió y reclamó el título de Rey del Swing. Tommy armó rápidamente un equipo altamente comercial en el que destacaban cantantes populares como Helen O’Connell y Bob Eberly, dándole una seria competencia a Goodman. Jimmy no fue tan exitoso al comienzo, aunque alcanzó las listas en junio de 1936 con Is It True What They Say About Dixie? Fue solamente cuando dejó el show radial de Crosby que empezó a aparecer extensamente por sus propios medios y empezó a figurar entre las bandas más populares.

En 1938 Jimmy participó en algunas de las reconocidas jam sessions de los viernes organizadas por Eddie Condon en el hotel Park Lane, que incluían a Pee Wee Russell, Sidney Bechet, Bobby Hackett, Willie "The Lion" Smith, Bud Freeman, Hot Lips Page, Bunny Berigan y Red Allen.

En ese mismo año registró siete Top Ten hits, terminando con Change Partners en el puesto número 1. Tuvo otros seis éxitos entre los diez primeros en 1939 y tres en 1940, que incluía al tope de lista The Breeze and I, que fue un éxito clave con el que empezó una serie de adaptaciones de temas latinos arreglados por Tutti Camerata. Aún cuando empezaba a alcanzar el éxito comercial, su hermano menor encendía las ondas radiales con su música de gran banda de sello más comercial, con el atractivo encabezado por la presencia de un joven cantante llamado Frank Sinatra.

La carrera de Jimmy Dorsey realmente despegó en 1941 cuando registró doce Top Ten hits: I Hear a Rhapsody alcanzó el primer lugar en abril, seguida por High on a Windy Hill el mismo mes. Otro éxito clave fue el tercer primer lugar consecutivo de Dorsey con Amapola, en marzo, que fue además el tema más popular del año. Antes de terminar 1941, Dorsey había regresado al primer lugar con My Sister and I, Green Eyes, Maria Elena y Blue Champagne, quedando clasificado segundo solamente detrás de Glenn Miller, como el artista de grabaciones más exitoso del año.

Hollywood tomó interés en él e hizo su primer debut en el film Lady Be Good en setiembre de 1941. La prohibición de grabaciones determinada por la American Federation of Musicians en agosto de 1942 dejó a Dorsey sin oportunidades de grabación, pero no obstante se las arregló para registrar seis Top Ten hits durante ese año, entre ellos Tangerine, otro número de tinte latino, el cual fue programado en su segundo film, The Fleet’s In, estrenado en marzo. Sobre todo, clasificó como el cuarto mejor artista de grabaciones del año tras Miller, Harry James, y Kay Kyser. El año de 1943 fue un esfuerzo mayor, pero Decca arregló con la Unión un año antes que sus rivales, Columbia y RCA Víctor y, de igual forma, con sus artistas, Dorsey entre ellos, que estuvieron aptos para dominar las pizarras en 1944. Dorsey registró cinco éxitos cumbre entre los primeros diez, entre ellos el que encabezaba la lista, Bésame Mucho, clasificando como el tercer artista de grabaciones más exitoso, delante de las estrellas de Decca, Bing Crosby y las Andrews Sisters.

En medio de esa sarta de éxitos de vocalistas, es fácil olvidar que la banda de Jimmy Dorsey fue también un equipo de jazz serio, a cuyos miembros les gustaba explayarse cuando podían y tocar verdaderamente, dejando a los vocalistas en segundo plano. El tema instrumental Contrasts, que databa de 1932, fue el tema característico de su banda y una pieza de jazz perfectamente respetable, y también vieron algún éxito con la ligera pieza de jazz popular John Silver, y sorprendieron con un sonido moderno de guitarra eléctrica (entre otros atributos) en Sorghum Switch, en 1942.

Una de las dificultades que tienen los coleccionistas modernos para comprender los alcances de Jimmy Dorsey es que difícilmente alguno de sus instrumentales han jamás visto una remisión en LP o más recientemente en CD. El énfasis en las reemisiones, en solamente los éxitos populares de Dorsey, da un retrato algo inseguro de la clase de banda que era o del nivel de virtuosísimo con que Jimmy comandaba en el saxo alto o en el clarinete (en el cual estaba clasificado al mismo nivel que Benny Goodman y Artie Shaw). Adicionalmente, a diferencia de su hermano y de muchos de otros jazzmen blancos y mayormente entre los directores de banda del periodo, Jimmy Dorsey permanece como un músico corajudo en los cuarentas, como lo había sido en los veintes y en los treintas. Estaba no solamente dispuesto, sino que quería incorporar elementos del bebop en su trabajo, y sus singles de comienzos de los cuarentas fueron unos de los más audaces lados de swing comercial del periodo. Fue también raro que fuera uno de los directores de banda más personalmente populares del periodo entre sus colegas. En contraste con su joven hermano, que tenía una vena agresiva que tropezaba con su estilo de manejo (que provocó atacar a Sinatra cuando éste anunció ir inicialmente como solista) y con los notables grandes egos de Glenn Miller y de Benny Goodman, Jimmy Dorsey fue relativamente introspectivo y retirado y no impuso su personalidad a los músicos que trabajaron para él. Por temperamento, era más un músico virtuoso que un líder, pero su banda era lo bastante buena y sus talentos, en el peor de los casos, eran lo suficiente para llevarlos, en una forma u otra, por más de quince años. La banda de Jimmy Dorsey entró en un declive comercial a partir de 1945, aunque hubo dos éxitos Top Ten en 1945 y uno en 1946. Para 1947, Dorsey se había cambiado a MGM Records. En mayo de 1947 participó en un film biográfico grandemente ficticio sobre él y su hermano, The Fabulous Dorseys, que fue notable no sólo por el trabajo de Jimmy y Tommy sino también por un pequeño rol musical del pianista Art Tatum. Registró un éxito entre los primeros diez con Bellerina en enero de 1948 y continuó para alcanzar las listas por otro par de años, habiéndose pasado a Columbia Records para 1950, donde cortó algunos lados moderadamente exitosos (y totalmente disfrutables) de estilo dixieland, que también condujeron a la grabación de su primer LP. Pero se vio obligado a desbandar la orquesta, y en 1953 aceptó una oferta de su hermano para juntarse a la Tommy Dorsey Orchestra, como ejecutante distinguido.

Pronto la banda estaba siendo etiquetada como la Dorsey Brothers Orchestra. De 1954 a 1956, los hermanos condujeron espectáculos de escenario, una serie de TV en vivo. Elvis Presley hizo su debut nacional en TV en el show, en enero de 1956. Dorsey fue diagnosticado con cáncer a la garganta en 1956. En noviembre de 1956, su hermano murió súbitamente y Jimmy asumió la banda brevemente hasta que fue hospitalizado en marzo de 1957. Su última sesión de grabación para Fraternity Records llevaba incluido el tema So Rare que ascendió a los cinco primeros la semana de su muerte a la edad de 53 años.

Jimmy Dorsey ganó un lugar como instrumentista mayor en los veintes. Regresó a la conducción de bandas en los treintas pero, a comienzos de los cuarentas, había construido una de las más exitosas orquestas de la era de las Grandes Bandas, con un estilo distintivo. Sus éxitos en Decca (ahora controlada por Universal Music Group) se acrecientan con grabaciones para Columbia y varios pequeños sellos, con muchas de sus transmisiones radiales, también disponibles.


Carlos Alberto 21/03/2008